بولص آدم
أحيانًا كانت الكتب جيدة، لكن الأفلام تجاوزت الحدود الممكنة للكتابة. هذا الوصف ينطبق بشكل دقيق على فيلم هامنت (2025) للمخرجة الحائزة على الأوسكار كلوي تشاو، المبني على رواية ماجي أوفاريل الصادرة عام 2020. الرواية أثبتت قدرتها على نقل تجربة الحزن والفقد بأسلوب خيالي شاعري، لكنها أبقت الكثير من الأحداث داخل حدود الكلمات، تاركة للتخيل الشخصي للقارئ مساحة واسعة. أما الفيلم، فقد جمع بين العمق النفسي واللغة السينمائية الدقيقة، ليخلق تجربة حسية متكاملة، حيث كل حركة كاميرا، كل ضوء، وكل صمت، يشارك المشاهد في الشعور بالحزن والفقد والحب بطريقة حية وفورية.
هامنت يسبر حياة ويليام شكسبير وعائلته من زاوية حميمة، مركزًا على زوجته أغنيس وابنهما هامنت، الذي توفي في سن الحادية عشرة أثناء تفشي الطاعون. الرواية والفيلم يمنحان المشاهد فرصة لاستكشاف الألم والخسارة من منظور خيالي غني بالتفاصيل، ليملأ الفراغات التاريخية غير الموثقة ويخلق بعدًا نفسيًا وعاطفيًا متماسكًا.
أغنيس تمثل محور التجربة السينمائية، حيث تُظهر ارتباطًا عميقًا بالأرض والنباتات والحياة اليومية، وتعبّر عن حدس دقيق يتجلى في حركات الكاميرا، الضوء الطبيعي، والمونتاج البطيء. هذه الدقة في التصوير تسمح للمتفرج بالتفاعل مع المشهد عبر التفاصيل الصغيرة، من حركة الأيدي إلى النظرات العابرة، ومن ملمس الأشياء إلى الأصوات الدقيقة المحيطة.
أداء جيسي باكلي في دور أغنيس يشكّل جوهر الفيلم. تراكم المشاعر داخليًا يظهر من خلال الصمت، النظرات، والتنفس، ما يعكس تطور أدواتها التمثيلية مقارنة بالأعمال السابقة، حيث تتحول الشخصيات من التعبير الظاهر إلى عمق داخلي معقد. بول ميسكال يجسد ويليام شكسبير بحضور موزع بين المسرح والعائلة، بين البيت ولندن، ويخلق توازنًا وانسجامًا مع أداء باكلي، موضحًا ثقل الحب والخسارة في آن واحد.
الحبكة تتبع بنية المسرحية الكلاسيكية المؤلفة من خمسة فصول، مع تمهيد وتصاعد للأحداث وصولًا إلى ذروة كارثية في الفصل الأخير. تشاو تمنح الفيلم طابعًا تأمليًا، مركزًا على الشخصيات وتجاربها الداخلية، وتوظف الحبكة الخطية بطريقة تخدم التعمق في المشاعر والفقد. النصف الأول من الفيلم يرسخ العلاقة بين أغنيس وويليام، ويُبرز تناغمهما، مع التركيز على الألم الناتج عن فقدان الطفل، بطريقة تجعل التجربة العاطفية واضحة ومعمقة.
اللغة الحوارية للفيلم مقتصدة ودقيقة، مستوحاة من النصوص الإليزابيثية، مع صمت يحمل معانٍ كبيرة. هذا الأسلوب يسمح للمشاهد بالانغماس الكامل في تجربة الشخصيات، ويخلق امتدادًا للتفكير الداخلي بدلاً من الاكتفاء بنقل المعلومات. السينما هنا تتجاوز الرواية، من خلال القدرة على جعل المشاهد يشعر بالمعنى بدلًا من مجرد قراءته.
تصوير الفيلم يستحضر روح تاركوفسكي في الضوء والظل، مع متوسط طول اللقطة الذي يمنح المشاهد فرصة لاستيعاب الانفعال الداخلي للشخصيات. المشاهد الحميمة، مثل اللقاء بين ويليام وأغنيس في الحظيرة، تعكس التقاء الحب والرغبة الإنسانية مع الألم النفسي العميق. المونتاج البطيء مع التركيز على التفاصيل يعزز تجربة الفقد، ويجعل كل مشهد لوحة شعرية قائمة بذاتها.
الفصل الأخير يمثل الذروة العاطفية والفنية. ينتقل الفيلم إلى عرض مسرحية هاملت، حيث يتحوّل الحزن الفردي إلى فن يُعرض أمام الجمهور. أغنيس تشاهد المسرحية بصمت طويل ونظرات مكثفة، ترى حضور ابنها المفقود في كل حركة، وكل صدى من المسرحية يعكس الحب، الفقد، والتفهم العاطفي. التمثيل داخل التمثيل، واختيار شقيقين للقيام بدور هامنت وهاملت، يعزز الرمز البصري ويجعل المشاهد يشارك التجربة العاطفية مباشرة، حيث يمتد شعور الحزن إلى الجمهور نفسه، ما يجعل المشهد تجربة وجودية شاملة.
إنتاج الفيلم تحت إشراف ستيفن سبيلبرغ وسام مينديز منح حرية فنية واضحة لتشاو، مع الحفاظ على حساسيتها البصرية الدقيقة، وموازنة التوتر الدرامي مع الهدوء التأملي. التصميم الفني يمزج عناصر المسرح مع لغة السينما، في الديكور، الأزياء، والإضاءة، ليصبح كل مشهد لوحة متكاملة تعكس الانسجام الداخلي بين الحب والفقد، بين التاريخ والخيال.
الفيلم يربط بين الفقد الشخصي وخلق الفن، موضحًا كيف يمكن للمسرح أن يكون وسيلة للتعبير عن الألم، والذكريات، والفقد. أداء باكلي وميسكال ولغة تشاو الإخراجية يمنح الفيلم عمقًا فلسفيًا وإنسانيًا، ويعيد تشكيل التاريخ عبر التجربة الشخصية والخيال. هامنت يقدم دراسة حسية متكاملة عن الحب، الفقد، والإبداع، ويترك أثرًا طويل الأمد في ذاكرة المشاهد.
الفصل الأخير يربط بين الرواية والفيلم بسلاسة، ويعيد تعريف مسرحية هاملت كمرثية حية. أغنيس تواجه المسرحية بصمت طويل، حيث تظهر يديها تلامس يد هامنت/هاملت على الخشبة، ويتمد الشعور تدريجيًا ليشمل أيادي الجمهور، في مشهد مؤثر يظهر الحزن والجمال معًا. الفيلم لا يصرح بأن هاملت كتب بسبب وفاة هامنت، لكنه يترك الصورة، اللغة، والمونتاج تقول ذلك ضمنيًا. المشهد يوضح أن المسرحية تصبح فنًا يحقق استمرار الحياة، ولا يعوض الفقد، لكنه يمنحه شكلًا يحمي من النسيان، ويجعل الغياب حاضرًا داخل التاريخ الأدبي.
ينتهي الفيلم حيث يبدأ: من طفل مات في الظل إلى مسرحية خالدة تتحدث باسمه، دون أن تنطق الكلمات صراحة. يظل الفن وسيطًا للحزن، للذاكرة، وللعاطفة، محوّلًا تجربة شخصية إلى أثر خالد للجمهور، وتجربة سينمائية عميقة تتجاوز حدود الرواية.
